O Καντίνσκι στη Ρώμη: Μια μεγαλειώδης αναδρομική έκθεση στο Palazzo Bonaparte

Περισσότερα από 25 χρόνια μετά την τελευταία μεγάλη παρουσίαση έργων του Βασίλι Καντίνσκι στη Ρώμη, ο θεμελιωτής της αφηρημένης τέχνης επιστρέφει στην ιταλική πρωτεύουσα με μια εκτενή αναδρομική έκθεση στο Palazzo Bonaparte. Από τις 15 Σεπτεμβρίου 2026 έως τις 14 Φεβρουαρίου 2027, το κοινό θα έχει την ευκαιρία να γνωρίσει πάνω από 70 έργα από διεθνή μουσεία και το Centre Pompidou, το οποίο διαθέτει μία από τις σημαντικότερες συλλογές Καντίνσκι παγκοσμίως.

Μια έκθεση που φωτίζει την εξέλιξη ενός πρωτοπόρου

Η έκθεση, παραγωγή της Arthemisia σε συνεργασία με το Centre Pompidou και επιμέλεια της Angela Lampe, παρουσιάζει την πορεία του Καντίνσκι από τα πρώιμα, ακόμη φιγουρατικά έργα του έως τα ριζοσπαστικά πειράματα που άλλαξαν την ιστορία της μοντέρνας ζωγραφικής.

Πέρα από τους πίνακες, το κοινό θα δει αρχειακά τεκμήρια, φωτογραφίες, προσωπικά αντικείμενα και υλικό από τη Bibliothèque Kandinsky, προσφέροντας μια πιο προσωπική ματιά στον καλλιτέχνη.

Πέντε ενότητες – Πέντε σταθμοί μιας ζωής σε διαρκή μεταμόρφωση

Η έκθεση οργανώνεται σε πέντε θεματικές ενότητες που καλύπτουν:

– τα πρώτα χρόνια και τη διαμόρφωση της καλλιτεχνικής του ταυτότητας,

– την περίοδο του Μονάχου και τη συμμετοχή του στη Der Blaue Reiter,

– την επιστροφή στη Ρωσία μετά τον Α’ Παγκόσμιο Πόλεμο,

– τη διδασκαλία του στο Bauhaus,

– τα τελευταία χρόνια του στο Παρίσι.

Ανάμεσα στα κορυφαία έργα ξεχωρίζει το Gelb-Rot-Blau (1925), που οι γεωμετρικές φόρμες και τα έντονα χρώματα οργανώνονται με μια σχεδόν μουσική αρμονία.

Η μουσική ως κλειδί για την κατανόηση της αφηρημένης γλώσσας του Καντίνσκι

Η έκθεση αναδεικνύει δύο καθοριστικές εμπειρίες που διαμόρφωσαν τη σκέψη του:

– την επαφή του με τους Θερισμούς του Μονέ, που του έδειξε ότι η ζωγραφική μπορεί να συγκινεί χωρίς να αναπαριστά πιστά την πραγματικότητα,

– την εμπειρία του Lohengrin του Βάγκνερ στο Μπολσόι, που ενίσχυσε την πεποίθησή του ότι η ζωγραφική, όπως η μουσική, μπορεί να λειτουργεί ανεξάρτητα από αναγνωρίσιμα αντικείμενα και να εκφράζει συναίσθημα και εσωτερικό βίωμα.

Αυτή η ιδέα αποτέλεσε τον πυρήνα της μετάβασής του στην αφαίρεση.

Der Blaue Reiter και η γέννηση μιας νέας γλώσσας

Το 1911, μαζί με τον Franz Marc και τη Gabriele Münter, ο Καντίνσκι ίδρυσε τη Der Blaue Reiter, θέτοντας τις βάσεις μιας νέας εικαστικής γλώσσας όπου χρώμα, γραμμή και μορφή λειτουργούν αυτόνομα. Έργα όπως το Mit dem schwarzen Bogen (1912) σηματοδοτούν τη στιγμή που ο Καντίνσκι απομακρύνεται οριστικά από τον ορατό κόσμο και στρέφεται σε μια καθαρά εκφραστική, εσωτερική ζωγραφική.

Η Gabriele Münter στο προσκήνιο

Ένα ιδιαίτερο στοιχείο της έκθεσης είναι η ανάδειξη της Gabriele Münter, συντρόφου του Καντίνσκι στα χρόνια του Μονάχου και σημαντικής μορφής του γερμανικού εξπρεσιονισμού. Για πρώτη φορά στη Ρώμη παρουσιάζεται επιλογή έργων της, συνοδευόμενη από τεκμήρια που υπογραμμίζουν την ανεξάρτητη καλλιτεχνική της πορεία και τη συμβολή της στην πρωτοπορία της εποχής.

Πόλεμος, επανάσταση, Bauhaus, Παρίσι – Μια ζωή μέσα στις αναταράξεις του 20ού αιώνα

Ο Καντίνσκι επηρεάστηκε βαθιά από τα ιστορικά γεγονότα της εποχής του.

– Μετά τον Α’ Παγκόσμιο Πόλεμο επέστρεψε στη Ρωσία και συμμετείχε στη διαμόρφωση των νέων πολιτιστικών θεσμών.

– Το 1922 εντάχθηκε στο Bauhaus, όπου δίδαξε και ανέπτυξε τις θεωρίες του για το χρώμα και τη μορφή.

– Μετά το κλείσιμο του Bauhaus από τους Ναζί το 1933, εγκαταστάθηκε στο Παρίσι, όπου παρέμεινε έως τον θάνατό του το 1944.

Η περίοδος του Bauhaus έχει ιδιαίτερη θέση στην έκθεση: ο Καντίνσκι εργάστηκε ως «μάστερ της μορφής», δημιούργησε εκατοντάδες έργα και δημοσίευσε το θεωρητικό του κείμενο Point and Line to Plane (1926).

Τα τελευταία χρόνια στο Παρίσι – Μια νέα εικαστική γλώσσα

Στο Παρίσι, η αυστηρή γεωμετρία του Bauhaus δίνει τη θέση της σε πιο ανάλαφρες, παιχνιδιάρικες φόρμες, με παστέλ και όξινα χρώματα και βιομορφικά σχήματα. Οι επαφές του με τον Jean Arp και τον Joan Miró επηρέασαν αυτή τη νέα κατεύθυνση, όπου ο κονστρουκτιβισμός συναντά τον σουρεαλισμό. Στην έκθεση παρουσιάζονται και αντικείμενα από το παρισινό του στούντιο, ανασυνθέτοντας την ατμόσφαιρα των τελευταίων του χρόνων.

Μια έκθεση που έγινε δυνατή χάρη στο Centre Pompidou

Η αναδρομική έκθεση πραγματοποιείται εν μέρει λόγω της προσωρινής ανακαίνισης του Centre Pompidou, το οποίο διαθέτει εξαιρετικά πλούσια συλλογή Καντίνσκι χάρη στις δωρεές και τη διαθήκη της συζύγου του, Nina Kandinsky.

Το μουσείο λειτουργεί μέσω του διεθνούς προγράμματος Constellation έως την επαναλειτουργία του το 2030.

Ένα μεγάλο πολιτιστικό γεγονός για τη Ρώμη

Η πρόεδρος της Arthemisia, Iole Siena, τονίζει ότι η επιστροφή του Καντίνσκι στη Ρώμη αποτελεί σημαντικό θεσμικό γεγονός και ευκαιρία να γνωρίσει το ευρύ κοινό έναν από τους μεγάλους επαναστάτες της τέχνης του 20ού αιώνα – έναν καλλιτέχνη που απελευθέρωσε τη ζωγραφική από την υποχρέωση της μίμησης και έδωσε στο χρώμα και στη μορφή τη δύναμη να εκφράζουν άμεσα το συναίσθημα.

ΠΗΓΗ :ARTDAILY.COM

Η έκθεση Diego Rivera στη Ρώμη ξεπερνά τους 17.000 επισκέπτες – Μια μεγάλη αναδρομή στον μεξικανικό μοντερνισμό

Η μεγάλη έκθεση «Diego Rivera and the Construction of Modern Art in Mexico in the 20th Century» στη Villa Caffarelli των Μουσείων Καπιτωλίου έχει προσελκύσει περισσότερους από 17.000 επισκέπτες στους πρώτους δύο μήνες της λειτουργίας της, επιβεβαιώνοντας το έντονο ενδιαφέρον του κοινού για μια από τις σημαντικότερες παρουσιάσεις μεξικανικής τέχνης που έχουν φιλοξενηθεί στη Ρώμη.

Μια έκθεση που ξεπερνά τον μύθο του Ριβέρα

Η έκθεση, ανοιχτή έως τις 13 Δεκεμβρίου 2026, συγκεντρώνει περισσότερα από 140 έργα, ανάμεσά τους 30 του Ντιέγκο Ριβέρα, αλλά και έργα των Φρίντα Κάλο, Ορόσκο, Σικέιρος, Ταμάγιο και άλλων καλλιτεχνών που διαμόρφωσαν τη μεξικανική τέχνη από τον 19ο έως τον 20ό αιώνα. Αντί να παρουσιάζει τον Ριβέρα ως μοναχική ιδιοφυΐα, η έκθεση εξετάζει το πολιτιστικό και πολιτικό περιβάλλον που γέννησε τον μεξικανικό μοντερνισμό.

Από την ανεξαρτησία έως τον μιουραλισμό

Η αφήγηση  αρχίζει από το 1821 και φτάνει έως την εποχή των μεγάλων τοιχογραφιών. Η έκθεση αναδεικνύει πώς οι Μεξικανοί καλλιτέχνες στράφηκαν στις ιθαγενικές παραδόσεις, στη λαϊκή κουλτούρα και στις κοινωνικές πραγματικότητες για να διαμορφώσουν μια νέα εθνική εικαστική γλώσσα. Ο Ριβέρα βρίσκεται στο επίκεντρο αυτής της διαδικασίας, αλλά η έκθεση τονίζει το δίκτυο δημιουργών που συνέβαλαν στη διαμόρφωση του μοντερνισμού.

Η τέχνη ως δημόσιο εργαλείο

Ένα από τα βασικά θέματα είναι η μετατροπή της τέχνης σε δημόσιο και κοινωνικό μέσο. Από τις αρχές της δεκαετίας του 1920, οι τοιχογραφίες του Ριβέρα, του Ορόσκο και του Σικέιρος έφεραν την τέχνη στους δημόσιους χώρους, δημιουργώντας εικόνες που απευθύνονταν σε ευρύ κοινό και συνδέονταν με την κοινωνική πραγματικότητα του Μεξικού.

Ξεναγήσεις και δημόσιο πρόγραμμα

Λόγω της μεγάλης προσέλευσης, από τις 12 Σεπτεμβρίου θα πραγματοποιούνται καθοδηγούμενες ξεναγήσεις κάθε Σαββατοκύριακο έως την 1η Νοεμβρίου. Οι ξεναγήσεις θα γίνονται σε μικρές ομάδες και απαιτείται προκράτηση.

Διεθνής συνεργασία και θεσμική στήριξη

Η έκθεση οργανώνεται από τη Roma Capitale και την Καπιτωλινή Εφορεία Πολιτιστικής Κληρονομιάς, σε συνεργασία με το Museo Kaluz και τη MetaMorfosi Eventi, υπό την αιγίδα του Εθνικού Ινστιτούτου Καλών Τεχνών του Μεξικού και της Πρεσβείας του Μεξικού στην Ιταλία.

Ρώμη: Έκθεση για τη Σαπφώ στα Uccelliere Farnesiane – Η ποιήτρια της αρχαίας Ελλάδας γίνεται μύθος και σύγχρονο σύμβολο

  

Η Ρώμη ετοιμάζεται να υποδεχθεί μια μεγάλη πολιτιστική παραγωγή αφιερωμένη στη Σαπφώ, την εμβληματική ποιήτρια της αρχαϊκής Ελλάδας. Από τις 16 Οκτωβρίου 2026 έως τις 31 Ιανουαρίου 2027, τα Uccelliere Farnesiane στον Παλατίνο λόφο θα φιλοξενήσουν την έκθεση Sappho, ένα ταξίδι που συνδέει αρχαιότητα, σύγχρονη τέχνη και δημοφιλή κουλτούρα, αναδεικνύοντας πώς η μορφή της Σαπφώς μεταμορφώθηκε σε μύθο και σύγχρονο πολιτιστικό σύμβολο.

 Μια πολυεπίπεδη διαδρομή ανάμεσα στην ιστορία, τον μύθο και τη σύγχρονη κουλτούρα

Η έκθεση, που διοργανώνεται από την Electa και τελεί υπό την αιγίδα του Colosseum Archaeological Park, αποτελεί το δεύτερο μέρος μιας σειράς αφιερωμένης στις πιο σύγχρονες και διαχρονικές γυναικείες μορφές της αρχαιότητας. Ακολουθεί την επιτυχημένη έκθεση Penelope (2024–2025), συνεχίζοντας την εξερεύνηση της γυναικείας παρουσίας στον αρχαίο κόσμο και της επίδρασής της στη σύγχρονη φαντασία.

Δύο ενότητες – δύο Σαπφώ

Η έκθεση οργανώνεται σε δύο συμπληρωματικές ενότητες:

Η ιστορική και ποιητική Σαπφώ  

Στο πρώτο περίπτερο, αρχαία αντικείμενα —αγγεία, γλυπτά, χειρόγραφα— ανασυνθέτουν την εικόνα της ποιήτριας που οι αρχαίοι αποκαλούσαν «δέκατη Μούσα». Η παρουσία της Σαπφώς αναδεικνύεται μέσα από υλικά τεκμήρια και καλλιτεχνικές αναπαραστάσεις που αποκαλύπτουν μια γυναίκα βαθιά συνδεδεμένη με τη δύναμη της ποίησης και τη διαχρονικότητά της.

Η μυθική και δημοφιλής Σαπφώ  

Το δεύτερο περίπτερο εξετάζει τη μεταμόρφωση της Σαπφώς σε πολιτιστικό σύμβολο από τον 19ο αιώνα έως σήμερα. Η ποιήτρια γίνεται μούσα της Art Nouveau, φιγούρα της βικτωριανής φαντασίας, εικόνα της Art Deco και σύμβολο της σύγχρονης κουλτούρας. Ο χώρος διαμορφώνεται ως ένας τεχνητός εσωτερικός κήπος, εμπνευσμένος από αισθητικές του 19ου αιώνα και πρώιμες αναπαραστάσεις της θηλυκότητας.

Μια έκθεση-εμπειρία: η βουτιά και η σελήνη

Η έκθεση δεν περιορίζεται σε ιστορική παρουσίαση. Δημιουργεί μια αισθητηριακή εμπειρία γύρω από δύο κεντρικές εικόνες της σαπφικής ποίησης:

Η βουτιά  

Ένα σύμβολο ανάμεσα στον θάνατο και την αθανασία, που παρουσιάζεται μέσα από ήχο και εικόνα, αποτυπώνοντας τη σχέση σώματος, επιθυμίας και μνήμης.

Η σελήνη  

Εμβληματικό μοτίβο στα ποιήματα της Σαπφώς, μετατρέπεται σε αρχιτεκτονικό και ηχητικό στοιχείο που δημιουργεί νυχτερινή, στοχαστική ατμόσφαιρα.

Διάλογος αρχαίου και σύγχρονου

Στο πρώτο περίπτερο, τα αρχαία έργα συνομιλούν με σύγχρονη τέχνη, λειτουργώντας ως γέφυρα ανάμεσα σε εποχές και αισθητικές. Στο δεύτερο, η Σαπφώ παρουσιάζεται ως διαχρονική φιγούρα που επανεφευρίσκεται συνεχώς.

Εμβληματικά έργα που παρουσιάζονται

Ανάμεσα στα εκθέματα περιλαμβάνονται:

Ερυθρόμορφος κρατήρας με τη Σαπφώ (480–470 π.Χ.)

«depicting Sappho, identified by the name appearing on the vase» — ένα από τα σημαντικότερα αρχαία εικονιστικά τεκμήρια της ποιήτριας.

Gustave Moreau – The Death of Sappho (1876)  

Έργο που αποτυπώνει τη ρομαντική πρόσληψη της ποιήτριας.

Federico Faruffini – Sappho (1865)  

Μνημειακό έργο της ιταλικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα.

Burri – ΣΑΠΦΩ (1973–1982)  

Έκδοση με ποιήματα και πρωτότυπες λιθογραφίες του Alberto Burri.

Ο χώρος ως αφήγηση

Τα Uccelliere Farnesiane, ένας υβριδικός χώρος ανάμεσα σε αρχιτεκτονική και κήπο, λειτουργούν ως ιδανικό σκηνικό για μια έκθεση που δεν επιδιώκει να ανασυνθέσει μια βιογραφία, αλλά να δημιουργήσει μια φαντασιακή εμπειρία γύρω από τη Σαπφώ.

Μια σύγχρονη Σαπφώ

Η έκθεση αναδεικνύει τρεις όψεις της ποιήτριας:την αρχαϊκή Σαπφώ, συνδεδεμένη με το φυσικό τοπίο και την αισθητηριακή εμπειρία, τη μυθική Σαπφώ, που επανερμηνεύεται επί αιώνες, τη σύγχρονη Σαπφώ, που γίνεται πολιτιστικό σύμβολο και εικαστική αναφορά

Η έκθεση θα συνοδεύεται από κατάλογο της Electa, ο οποίος θα αποτυπώνει τις πολλαπλές αναγνώσεις της μορφής της ποιήτριας.

Έκθεση για τους Αγγέλους από την αρχαιότητα έως σήμερα στο Palazzo dei Conservatori

Τα Μουσεία του Καπιτωλίου στη Ρώμη παρουσιάζουν μια μεγάλη έκθεση αφιερωμένη στη μορφή του αγγέλου, τιμώντας τη μνήμη του Πάπα Φραγκίσκου έναν χρόνο μετά τον θάνατό του. Η έκθεση «Angels. Messengers, guardians and wayfarers» εγκαινιάστηκε στις 13 Μαΐου,  φωτίζοντας την παρουσία των αγγελικών μορφών στην τέχνη και τη θρησκευτικότητα από την αρχαιότητα έως τη σύγχρονη εποχή.

Μια έκθεση αφιερωμένη στη μνήμη του Πάπα Φραγκίσκου

Η νέα έκθεση των Καπιτωλινών Μουσείων τιμά τον Πάπα Φραγκίσκο, παρουσιάζοντας τους αγγέλους ως σύμβολα φροντίδας, προστασίας, καθοδήγησης και ελπίδας. Η επιλογή του θέματος αντανακλά, σύμφωνα με τους επιμελητές, το πνεύμα της αποστολής του Πάπα: μια γέφυρα ανάμεσα στον ουρανό και τη γη, κοντά στους πιο ευάλωτους.

Αγγελικές μορφές από την αρχαιότητα έως τη σύγχρονη τέχνη

Σε επιμέλεια των Massimo Rossi Ruben και Viviana Vannucci, η έκθεση συγκεντρώνει έργα ζωγραφικής, γλυπτικής και χειρόγραφα από μουσεία, ιδιωτικές συλλογές και θρησκευτικά ιδρύματα. Οι επισκέπτες παρακολουθούν την εξέλιξη της αγγελικής εικονογραφίας μέσα στους αιώνες, από τις αρχαίες και μεσαιωνικές ρίζες έως τις σύγχρονες καλλιτεχνικές προσεγγίσεις.

Η αφήγηση οργανώνεται σε τρεις θεματικές ενότητες:

Messengers? – οι άγγελοι ως φορείς θεϊκών μηνυ/μάτων

Guardians – οι άγγελοι ως προστάτες και συνοδοί

Wayfarers – οι άγγελοι ως συνοδοιπόροι σε δύσκολες διαδρομές

Σημαντικά έργα και σπάνια δάνεια

Ανάμεσα στα σημαντικότερα έργα της έκθεσης περιλαμβάνονται:

– «Ο Φύλακας Άγγελος» του Pietro da Cortona από την Εθνική Πινακοθήκη Αρχαίας Τέχνης στο Palazzo Barberini

– «Ο Άγγελος του Ευαγγελισμού» του Carlo Dolci από τα Ουφίτσι

– «Ο Άγιος Ματθαίος με τον Άγγελο» του Guercino, από τη συλλογή των Καπιτωλινών Μουσείων

Ιδιαίτερη θέση κατέχει το σπάνιο έργο «Guardian Angel» του Giovanni Antonio Galli (περ. 1620), δάνειο του Fund for Buildings of Worship του ιταλικού Υπουργείου Εσωτερικών. Το έργο φυλάσσεται συνήθως στην εκκλησία San Rufo στο Ριέτι και εκτίθεται σπάνια.

Η σύγχρονη ματιά στον άγγελο

Η έκθεση περιλαμβάνει επίσης έργα σύγχρονων καλλιτεχνών όπως ο Omar Galliani και ο Osvaldo Licini, οι οποίοι επαναπροσδιορίζουν την αγγελική μορφή μέσα από ποιητικές και συμβολικές προσεγγίσεις, φέρνοντας το θέμα στη γλώσσα της σύγχρονης τέχνης.

Ένα ταξίδι πίστης, φαντασίας και αισθητικής

Με αριστουργήματα και σπάνια έργα που εκτίθενται για πρώτη φορά, η έκθεση «Angels» προσφέρει μια στοχαστική διαδρομή μέσα από την τέχνη, τη μυστικιστική παράδοση και τη συλλογική φαντασία. Παράλληλα, αποτελεί έναν φόρο τιμής σε έναν Πάπα που συνδέθηκε βαθιά με την έννοια της συμπόνιας και της προστασίας των αδύναμων.

Έως την 1η Νοεμβρίου 2026.

πηγή: finestresullart.info

3rd International Conference on Art Studies: Η Ρώμη φιλοξενεί το κορυφαίο διεθνές συνέδριο για τις εικαστικές σπουδές

Από τις 15 έως τις 17 Μαΐου 2026, η Ρώμη μετατρέπεται σε παγκόσμιο σημείο συνάντησης για ακαδημαϊκούς, ερευνητές και επαγγελματίες των εικαστικών τεχνών. Το 3rd International Conference on Art Studies συγκεντρώνει κορυφαίες φωνές από όλο τον κόσμο, προσφέροντας έναν δυναμικό χώρο ανταλλαγής ιδεών, παρουσίασης έρευνας και διεθνούς δικτύωσης — τόσο με φυσική παρουσία όσο και διαδικτυακά.

Ένα συνέδριο που ενώνει την έρευνα, τη θεωρία και την καλλιτεχνική πρακτική

Το συνέδριο προσφέρει μια μοναδική ευκαιρία για όσους δραστηριοποιούνται στις εικαστικές σπουδές να παρουσιάσουν το έργο τους, να λάβουν ανατροφοδότηση από ειδικούς και να συμμετάσχουν σε έναν διεθνή διάλογο γύρω από τις σύγχρονες εξελίξεις στην τέχνη.

Στα κυριότερα σημεία του προγράμματος περιλαμβάνονται:

• Παρουσίαση έρευνας σε διεθνές κοινό
• Εμπεριστατωμένη ανατροφοδότηση από αξιολογητές
• Ευέλικτη συμμετοχή (διά ζώσης ή διαδικτυακά)
• Κεντρική ομιλία του Dr. Timothy L. Carson (University of Missouri):
• “Creating in Liminal Time and Space”
• Δωρεάν πολιτιστική περιήγηση στα ιστορικά μνημεία της Ρώμης

Σημαντικές ημερομηνίες

Υποβολή περίληψης: έως 24 Απριλίου 2026

Ανακοίνωση αποδοχής: 7–14 ημέρες μετά την υποβολή

Έγκαιρη εγγραφή: έως 24 Δεκεμβρίου 2025

Καθυστερημένη εγγραφή: έως 5 Μαΐου 2026

Ημερομηνίες συνεδρίου: 15–17 Μαΐου 2026

Τρόποι συμμετοχής

Οι ενδιαφερόμενοι μπορούν να επιλέξουν ανάμεσα σε:

Oral Presentation – Ζωντανή παρουσίαση έρευνας

Poster Presentation – Οπτική παρουσίαση

Virtual Presentation – Συμμετοχή από απόσταση

Listener – Παρακολούθηση χωρίς παρουσίαση

Επιπλέον οφέλη για τους συμμετέχοντες

Δημοσίευση στα πρακτικά του συνεδρίου (με ISBN)

Δυνατότητα επιλογής για δημοσίευση σε indexed journals

Επιστημονική αξιολόγηση όλων των υποβολών

Δωρεάν ξενάγηση στη Ρώμη για όλους τους συμμετέχοντες

Το συνέδριο αποτελεί μια εξαιρετική ευκαιρία για ενίσχυση της ακαδημαϊκής παρουσίας, διεύρυνση δικτύων και εμβάθυνση στη σύγχρονη έρευνα των εικαστικών τεχνών.

Πληροφορίες εκδήλωσης

Πότε:  

15 Μαΐου 2026 – 09:00

17 Μαΐου 2026 – 18:00

Διάρκεια: 2 ημέρες και 9 ώρες

Πού:  

Piazza della Pilotta 4, Ρώμη, Ιταλία

Παρουσίαση του νέου βιβλίου του Παναγιώτη Ν. Δουκέλλη για τη γέννηση της Ρώμης στην ΕΣΗΕΑ

Οι Εκδόσεις Ευρασία παρουσιάζουν το νέο βιβλίο του Παναγιώτη Ν. Δουκέλλη με τίτλο «Ρώμη. Γέννηση και σταδιακή συγκρότηση μιας μεσογειακής πόλης». Η εκδήλωση συγκεντρώνει εξέχοντες πανεπιστημιακούς και ερευνητές που θα αναδείξουν τις ιστορικές και επιστημονικές διαστάσεις του έργου.

Η παρουσίαση του βιβλίου

 Η εκδήλωση θα πραγματοποιηθεί τη Δευτέρα 27 Απριλίου 2026 στις 18.30, στην αίθουσα Γεώργιος Καράντζας της ΕΣΗΕΑ, στην οδό Ακαδημίας 20.

ς

Για το βιβλίο θα μιλήσουν η Αθηνά Δημοπούλου, καθηγήτρια της Νομικής Σχολής του ΕΚΠΑ, η Νικολέττα Διβάρη Βαλάκου, επίτιμη έφορος Αρχαιοτήτων και πρόεδρος του ΔΣ του ΟΔΑΠ, η Χριστίνα Κωνσταντακοπούλου, ερευνήτρια στο Ινστιτούτο Ιστορικών Ερευνών του ΕΙΕ και ομότιμη καθηγήτρια Αρχαίας Ιστορίας στο Birkbeck College του Λονδίνου, καθώς και ο Ιορδάνης Ψημμένος, καθηγητής στο Πάντειο Πανεπιστήμιο.

Το περιεχόμενο του βιβλίου

Το έργο του Παναγιώτη Ν. Δουκέλλη εξετάζει τη γέννηση και τη σταδιακή διαμόρφωση της Ρώμης ως μεσογειακής πόλης, φωτίζοντας τις κοινωνικές, πολιτικές και χωρικές διεργασίες που οδήγησαν στη συγκρότηση ενός από τα σημαντικότερα αστικά κέντρα της αρχαιότητας. Η μελέτη εντάσσεται σε ένα ευρύτερο πλαίσιο ιστορικής έρευνας για την εξέλιξη των μεσογειακών πόλεων και τη δυναμική τους στον αρχαίο κόσμο.

Η σημασία της εκδήλωσης

Η παρουσίαση συγκεντρώνει ειδικούς από διαφορετικά επιστημονικά πεδία, προσφέροντας μια πολυδιάστατη ανάγνωση του βιβλίου και αναδεικνύοντας τη συμβολή του στη σύγχρονη ιστορική και αρχαιολογική έρευνα. Η εκδήλωση απευθύνεται σε ακαδημαϊκούς, φοιτητές, ερευνητές αλλά και στο ευρύτερο κοινό που ενδιαφέρεται για την ιστορία της Ρώμης και του μεσογειακού κόσμου.

Μπαρμπερίνι 2026: Η έκθεση φωτίζει τη σχέση Τέχνης και εξουσίας

Το Palazzo Barberini στη Ρώμη παρουσιάζει μια από τις πιο συζητημένες εκθέσεις της χρονιάς: «Bernini, Urban VIII and the Theater of Power», μια αναδρομή που επιχειρεί να εξερευνήσει – χωρίς να απαντά οριστικά – τη σύνθετη, συχνά αμφίσημη σχέση ανάμεσα στον Τζαν Λορέντσο Μπερνίνι και την οικογένεια Μπαρμπερίνι. Η έκθεση, όπως σημειώνει ο κριτικός Federico Giannini, αφήνει περισσότερα ερωτήματα από όσα λύνει, και ίσως αυτό είναι το μεγαλύτερο της πλεονέκτημα.

Μπερνίνι και Ουρβανός Η’: Συμμαχία, εξάρτηση ή δημιουργική ένταση;

Ο Μπερνίνι υπήρξε ο «γλύπτης των παπών», αλλά η σχέση του με τον Ουρβανό Η’ δεν ήταν ποτέ απλή. Η έκθεση παρουσιάζει μια σειρά πορτρέτων, σχεδίων και γλυπτών που αποκαλύπτουν έναν καλλιτέχνη ταυτόχρονα προικισμένο, φιλόδοξο και ανήσυχο.

Ήταν ο Μπερνίνι ευνοημένος της τύχης επειδή ο καρδινάλιος Μαφέο Μπαρμπερίνι έγινε πάπας; Ή μήπως ο πάπας ήταν ο πραγματικός τυχερός που είχε δίπλα του έναν καλλιτέχνη ικανό να αναδιαμορφώσει την εικόνα της παπικής εξουσίας; Η έκθεση δεν παίρνει θέση – και αυτό την κάνει ακόμη πιο ενδιαφέρουσα.

Τα πρώτα χρόνια: Ο Άγιος Σεβαστιανός και η γέννηση ενός ιδιοφυούς

Στην πρώτη αίθουσα δεσπόζει ο Άγιος Σεβαστιανός της Μαδρίτης, το έργο που σηματοδοτεί την απελευθέρωση του νεαρού Μπερνίνι από την επιρροή του πατέρα του. Το γλυπτό, γεμάτο μιχαηλιανή ένταση και πνευματική δραματικότητα, παρουσιάζεται δίπλα σε έργα του Πιέτρο Μπερνίνι, αναδεικνύοντας τη μετάβαση από τη μαθητεία στη μεγαλοφυΐα.

Η σύγκριση με τον γαλλικό Άγιο Σεβαστιανό του Jouy-en-Josas ενισχύει την άποψη ότι το δεύτερο δεν ανήκει στον Τζαν Λορέντσο, αλλά πιθανότατα στον πατέρα του.

Ο Μπερνίνι ως αρχιτέκτονας της παπικής εικόνας

Στη δεύτερη αίθουσα, τα σχέδια και τα μοντέλα για τον Άγιο Λογγίνο, την Καθέδρα του Αγίου Πέτρου και το Μπαλντακίνο του Αγίου Πέτρου αποκαλύπτουν έναν καλλιτέχνη που στα 29 του χρόνια είχε ήδη αναλάβει την αρχιτεκτονική και καλλιτεχνική ευθύνη της μεγαλύτερης εκκλησίας της Χριστιανοσύνης.

Τα σχέδια δείχνουν την ακούραστη δημιουργική του ενέργεια: μια διαρκή προσπάθεια να ξεπεράσει τα όρια της γλυπτικής και να μετατρέψει την τέχνη σε θέατρο εξουσίας.

Η έκθεση ως πολιτικό σχόλιο

Η σχέση Μπερνίνι – Μπαρμπερίνι δεν παρουσιάζεται ως απλή συνεργασία. Είναι μια ιστορία γεμάτη εντάσεις, φιλοδοξίες, αμοιβαίες εξαρτήσεις και στιγμές δημιουργικής ελευθερίας.

Η έκθεση, χωρίς να το επιδιώκει, γίνεται πολιτική: όταν η οικογένεια λέγεται Barberini, η τέχνη δεν μπορεί να διαχωριστεί από την εξουσία.

Πως ήταν να είσαι καταραμένος στην Αρχαία Ελλάδα και στην Μεσοποταμία; Έκθεση στο Μουσείο Τέχνης του Τολέδο

 

Μικροσκοπικό φέρετρο με μορφή κατάρας.
 Αρχαία Ελλάδα, 4ος αιώνας π.Χ. Μόλυβδος, 11,5 × 5,5 × 3,5 εκ.
 Μουσεία Καλών Τεχνών και Ιστορίας Βρυξελλών, A.2958.
Φωτογραφία: Image Studio, Royal Museums of Art and History, Brussels.

Για χιλιετίες, οι άνθρωποι στη Μεσοποταμία, την Αίγυπτο, την Ελλάδα και τη Ρώμη στρέφονταν στη μαγεία για προστασία, για θεραπεία, για να καταραστούν τους εχθρούς τους ή για να ζητήσουν εύνοια από δυνάμεις πέρα από τον ανθρώπινο κόσμο. Η αρχαία μαγεία ήταν υφασμένη στην καθημερινή ζωή και στις τελετουργικές πρακτικές — άλλοτε αποδεκτή και άλλοτε φοβιστική. Η έκθεση Cursed! προσκαλεί τους επισκέπτες να μπουν σε έναν συναρπαστικό κόσμο ξορκιών, φυλαχτών και προστατευτικών μορφών που χρονολογούνται από το 2000 π.Χ. έως το 300 μ.Χ.

Φυλαχτό με τον δαίμονα Παζούζου.
Νεοασσυριακή περίοδος, 681–627 π.Χ. Χαλκηδόνιος λίθος.
(Φωτογραφία: Ιδιωτική συλλογή, Ηνωμένο Βασίλειο.)

Ξεχωριστά εκθέματα

Η έκθεση φέρνει στο Τολέδο εξαιρετικά έργα από ποικίλα υλικά, όπως περίτεχνα σκαλισμένες ελεφαντοστέινες ράβδους, λαμπερά πολύτιμα πετράδια, σπάνια μαγικά πάπυρα και μολύβδινες κατάδεσμους από το Λούβρο, το Βρετανικό Μουσείο, το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης και άλλους θεσμούς. Αυτά τα αντικείμενα αποκαλύπτουν μια κοινή ανθρώπινη επιθυμία: να επηρεάσουν τις αόρατες δυνάμεις που διαμορφώνουν τη ζωή και τον θάνατο.

Μάσκα του Χουμπάμπα.
Παλαιοβαβυλωνιακή περίοδος, 2000–1700 π.Χ.
 Ψημένος πηλός, 8 × 7 × 2,8 εκ. Βρετανικό Μουσείο, 1931,1010.458.
 Φωτογραφία © The Trustees of the British Museum.

Στις παιδικές χαρές, όταν συμβαίνει κάτι «μαγικό», πολλά παιδιά λένε το ίδιο πράγμα: «Αμπρακατάμπρα!». Αλλού, κάποιος μπορεί να κρατά ένα κρύσταλλο ή να τρίβει ένα γούρι, όπως το πόδι κουνελιού. Και στις τρεις περιπτώσεις, χρησιμοποιούνται πρακτικές που ανάγονται στην αρχαιότητα.

Κρεμαστό φυλαχτό κατά του κακού ματιού. Ρωμαϊκό, 2ος αιώνας μ.Χ.
Χρυσός, μαργαριτάρια και αμέθυστος. (Φωτογραφία: Αρχαιολογικό Μουσείο Johns Hopkins.)

Η έκθεση “Cursed! The Power of Magic in the Ancient World”, στο Μουσείο Τέχνης του Τολέδο άνοιξε από 21 Μαρτίου και θα διαρκέσει έως 5 Ιουλίου, συνδέει τους επισκέπτες με τον τρόπο που οι άνθρωποι της αρχαιότητας προσπαθούσαν να κατανοήσουν τη δύναμη, τον κίνδυνο και την αβεβαιότητα — ανησυχίες που παραμένουν οικείες και σήμερα.

Φυλαχτό με τον δαίμονα Λαμάσhtu. Νεοασσυριακή περίοδος, 700–600 π.Χ. Πράσινη πέτρα. (Φωτογραφία: Ιδιωτική συλλογή, Ηνωμένο Βασίλειο.)

Η έκθεση περιλαμβάνει περίπου 75 αντικείμενα, ανάμεσά τους γλυπτά, διακοσμημένη κεραμική, φυλαχτά από πολύτιμα υλικά και αρχαίους παπύρους. Πολλά έργα προέρχονται από δανεισμό μουσείων σε όλο τον κόσμο, ενώ άλλα ανήκουν στη συλλογή του ίδιου του TMA. Επιμελητής της έκθεσης είναι ο Dr. Jeffrey Spier, πρώην ανώτερος επιμελητής αρχαιοτήτων στο Μουσείο J. Paul Getty. Θα κυκλοφορήσει επίσης πλήρως εικονογραφημένος κατάλογος.

Φυλαχτό ίβιδα. Αιγυπτιακό, 25η–31η Δυναστεία, 747–332 π.Χ. Φαγιάνς.
 (Φωτογραφία: Μουσείο Τέχνης του Τολέδο.)

Κοικό υπόβαθρο

«Υπάρχουν αξιοσημείωτες ομοιότητες ανάμεσα στις μαγικές πρακτικές της αρχαιότητας και στις αντιλήψεις για τη μαγεία σήμερα. Μάγοι, μάγισσες και φαντάσματα — όπως αυτά στα παραμύθια και τις ταινίες μας — έχουν τις ρίζες τους στον αρχαίο κόσμο. Τα ερωτικά φίλτρα και οι κατάρες μπορεί να μην είναι πλέον συνηθισμένα, αλλά κατανοούμε εύκολα τα συναισθήματα πίσω από αυτά. Παραδείγματα όλων αυτών υπάρχουν στην έκθεση», δήλωσε ο Spier.

Μορφή κατάρας. Αιγυπτιακή, Μέσο Βασίλειο, 12η Δυναστεία, 1991–1802 π.Χ.
Πηλός με κόκκινη χρωστική, 34,8 × 14,5 × 9,3 εκ.
 Μουσεία Καλών Τεχνών και Ιστορίας (Musées royaux d’art et d’histoire / Koninklijke Musea voor Kunst en Geschiedenis), E.07442.
Φωτογραφία: Image Studio, Royal Museums of Art and History, Brussels.

Στην αρχαιότητα, οι άνθρωποι πίστευαν ότι υπερφυσικές δυνάμεις τούς περιέβαλλαν — θεοί, πνεύματα, δαίμονες και οι νεκροί. Μάγοι, ιερείς και θεραπευτές χρησιμοποιούσαν τελετουργίες και προφορικά ξόρκια για να επικαλεστούν αυτές τις δυνάμεις. Η μαγεία χρησιμοποιούνταν για πολλούς σκοπούς: προστασία οικογενειών, θεραπεία ασθενειών, προσέλκυση έρωτα, βλάβη εχθρών ή απόκτηση πλεονεκτήματος σε δικαστικές υποθέσεις ή αθλητικούς αγώνες.

Φτερωτό φυλαχτό σκαραβαίου. Αιγυπτιακό, 25η–31η Δυναστεία, 747–332 π.Χ. Φαγιάνς. (Φωτογραφία: Μουσείο Τέχνης του Τολέδο.)

Η έκθεση αναδεικνύει βασικά θέματα:

• Προστατευτική μαγεία, όπως ράβδοι και φυλαχτά για την προστασία νεογνών ή την απομάκρυνση του κακού.

• Επικοινωνία με θεούς και νεκρούς, μέσω γραπτών επικλήσεων και προσευχών για βοήθεια ή καθοδήγηση.

• Μαγεία στην καθημερινή ζωή, μέσα από τελετουργικά αντικείμενα και γραπτές οδηγίες για ξόρκια.

• Πολιτισμικές διαφορές, που δείχνουν πώς οι αντιλήψεις για τη μαγεία άλλαζαν ανάλογα με τον τόπο και τον χρόνο.

Στην Ελλάδα και τη Ρώμη

Η μαγεία συχνά θεωρούνταν επικίνδυνη ή παράνομη, παρότι πολλοί την ασκούσαν. Ξόρκια και μαγικές οδηγίες διαδίδονταν μέσω περιπλανώμενων μάγων και γραπτών κειμένων, όπως οι διάσημοι μαγικοί πάπυροι που βρέθηκαν στην Αίγυπτο.

Πορτρέτο μούμιας νεαρού που φορά φυλαχτό. Αιγυπτιακό, 150–200 μ.Χ.
Εγκαυστική ζωγραφική σε ξύλο φλαμουριάς, 20,3 × 13 εκ. Μουσείο J. Paul Getty, Συλλογή της Villa, 78.AP.262. Ψηφιακή εικόνα με την ευγενική παραχώρηση του προγράμματος Open Content του Getty.

Στην Αίγυπτο και τη Μεσοποταμία

 Η μαγεία αποτελούσε συχνά μέρος της επίσημης θρησκείας, ασκούμενη από εκπαιδευμένους ιερείς που χρησιμοποιούσαν ξόρκια και ιερά αντικείμενα για θεραπεία και προστασία των κοινοτήτων. Μετά την κατάκτηση της Αιγύπτου και τμημάτων της Εγγύς Ανατολής από τον Μέγα Αλέξανδρο γύρω στο 330 π.Χ., οι παραδόσεις των διαφορετικών πολιτισμών αναμείχθηκαν. Αυτό οδήγησε σε νέες μορφές μαγικής πρακτικής και στη δημιουργία επιγραφικών φυλαχτών και βιβλίων ξορκιών που εξαπλώθηκαν σε όλο τον αρχαίο κόσμο.

Ένα από τα τέσσερα φυλαχτά σε σετ που απεικονίζουν τους γιους του Ώρου.
Αιγυπτιακό, 23η–25η Δυναστεία, 818–664 π.Χ. Φαγιάνς.
Φωτογραφία: Μουσείο Τέχνης του Τολέδο.

Μοναδική ευκαιρία για τον επισκέπτη στο Τολέδο

Η έκθεση Cursed! The Power of Magic in the Ancient World είναι μια σπάνια ευκαιρία για τον επισκέπτη  να δει από κοντά σχεδόν 75 εξαιρετικά αντικείμενα που σπάνια εγκαταλείπουν τις συλλογές μεγάλων μουσείων,  σύμφωνα με τον  Adam M. Levine, διευθυντής και πρόεδρος του TMA. «Έχουμε επιλέξει προσεκτικά τον τρόπο παρουσίασης ώστε οι επισκέπτες να δουν όχι μόνο το θαύμα του αρχαίου κόσμου, αλλά και να εξερευνήσουν τα δικά τους ερωτήματα για τη δύναμη, την ευαλωτότητα και την αβεβαιότητα που αντικατοπτρίζονται στην έκθεση» επισημαίνει .

Φυλαχτό με τον δαίμονα Λαμάσhtu απεικονισμένο στην εμπρόσθια όψη.
Νεοασσυριακό. Οψιδιανός.
(Φωτογραφία: Μουσείο του Λούβρου.)

ΠΗΓΕΣ: https://bgindependentmedia.org/

Το Κολοσσαίο της Ρώμης αποκτά νέα όψη: Ανακατασκευάζονται τα ίχνη των χαμένων κιόνων

 

Το Κολοσσαίο στη Ρώμη παρουσιάζει πλέον μια εντυπωσιακά ανανεωμένη εικόνα, μετά την ολοκλήρωση έργου αποκατάστασης που χρησιμοποίησε το ίδιο τραβερτίνι της αρχαίας Ρώμης για την αναδημιουργία τμημάτων κιόνων ηλικίας 2.000 ετών. Τα εγκαίνια της νέας αρχαιολογικής διαμόρφωσης στα νότια αμφιλαβή πραγματοποιήθηκαν στις 17 Μαρτίου 2026.

Ένα μνημείο που εξακολουθεί να συναρπάζει

Χιλιάδες Ρωμαίοι συνέρρεαν κάποτε στο αμφιθέατρο για να παρακολουθήσουν μονομαχίες και μάχες με άγρια ζώα. Σήμερα, το Κολοσσαίο παραμένει το δημοφιλέστερο αξιοθέατο της Ιταλίας, προσελκύοντας 9 εκατομμύρια επισκέπτες το 2025.

Το έργο επικεντρώθηκε στη μισοκυκλική πλατεία έξω από την αρένα, όπου οι θεατές της αρχαιότητας περίμεναν κάτω από δύο στοές με μαρμάρινους κίονες που έφταναν τα 50 μέτρα ύψος.

Τα χαμένα τόξα «επιστρέφουν» μέσα από το τραβερτίνι

Οι στοές αυτές έχουν καταρρεύσει εδώ και αιώνες, λόγω σεισμών και ασταθούς εδάφους. Πλέον, οι επισκέπτες μπορούν να καθίσουν πάνω σε μεγάλες πλάκες τραβερτίνου τοποθετημένες ακριβώς στα σημεία όπου βρίσκονταν οι αρχαίοι κίονες, διαβάζοντας αναπαραγωγές των ρωμαϊκών αριθμών που υποδείκνυαν τις ζώνες καθισμάτων.

«Οι πλάκες τοποθετήθηκαν ακριβώς εκεί όπου βρίσκονταν οι αρχικοί στύλοι», δήλωσε ο Ιταλός αρχιτέκτονας Stefano Boeri, υπεύθυνος για τον σχεδιασμό της νέας πλατείας. «Θέλαμε να αποδώσουμε στο κοινό την αίσθηση των αναλογιών των στοών και των θόλων που οδηγούσαν στο εσωτερικό του Κολοσσαίου».

Ανασκαφές που αποκάλυψαν θησαυρούς

Με την πάροδο του χρόνου, ο εξωτερικός χώρος είχε γεμίσει με μπάζα, θραύσματα και βλάστηση. Οι συντηρητές έσκαψαν περίπου ένα μέτρο για να φτάσουν στο αρχικό επίπεδο του δαπέδου από τραβερτίνη, αποκαλύπτοντας:

• νομίσματα

• αγαλματίδια

• οστά ζώων

• ένα χρυσό δαχτυλίδι

Σε μεγαλύτερο βάθος βρίσκεται η μυστική υπόγεια δίοδος από όπου ο αυτοκράτορας Κόμμοδος εισερχόταν στο Κολοσσαίο μακριά από το πλήθος — διάδρομος που άνοιξε στο κοινό το προηγούμενο έτος.

Το ίδιο πέτρωμα, από τα ίδια λατομεία

Οι νέες πλάκες τραβερτίνου προήλθαν από τα ίδια λατομεία που χρησιμοποιούσαν οι αρχαίοι Ρωμαίοι και τα οποία σήμερα προμηθεύουν υλικό για σύγχρονα θρησκευτικά κτίρια, μουσεία, τράπεζες και δημόσια έργα. «Για μια οικογένεια που δουλεύει το τραβερτίνι επί τέσσερις γενιές, η συμμετοχή στο Κολοσσαίο είναι τιμή», δήλωσε ο Fabrizio Mariotti, επικεφαλής της ομώνυμης εταιρείας λιθοξοΐας στο Τίβολι.

Σύνδεση με τα μεγάλα έργα υποδομής της Ρώμης

Νωρίτερα μέσα στη χρονιά, η πόλη εγκαινίασε δύο νέους σταθμούς μετρό κάτω από το Κολοσσαίο, ολοκληρώνοντας ένα έργο πολλών δισεκατομμυρίων ευρώ. Σύμφωνα με τους υπεύθυνους, η αποκατάσταση του περιβλήματος του μνημείου χρηματοδοτήθηκε από αντισταθμιστικούς πόρους του έργου του μετρό.

Πάνω από 50 αριστουργήματα του Kunsthistorisches Museum στη Ρώμη

Το Palazzo Cipolla στη Ρώμη φιλοξενεί, για πρώτη φορά στην Ιταλία, περισσότερα από 50 αριστουργήματα από τις συλλογές του Kunsthistorisches Museum της Βιέννης. Στην έκθεση παρουσιάζονται έργα των Ρούμπενς, βαν Ντάικ, Γιαν Μπρέγκελ του Πρεσβύτερου, Τιτσιάνο, Βερονέζε, Καραβάτζιο και πολλών ακόμη κορυφαίων δημιουργών.

Από τις 6 Μαρτίου έως τις 5 Ιουλίου 2026, το Museo del Corso – Museum Pole της Ρώμης υποδέχεται μια έκθεση που αφηγείται την ιστορία μιας συλλογής η οποία λειτουργεί ταυτόχρονα ως μουσείο και ως δυναστικό αυτοπορτρέτο: σύμβολο της αυτοκρατορικής λαμπρότητας και των πολιτιστικών φιλοδοξιών των Αψβούργων.

Η έκθεση «Από τη Βιέννη στη Ρώμη. Τα Θαύματα των Αψβούργων από το Kunsthistorisches Museum» διοργανώνεται από το Fondazione Roma σε συνεργασία με το Kunsthistorisches Museum, τελεί υπό την αιγίδα του ιταλικού Υπουργείου Πολιτισμού και της Πρεσβείας της Αυστρίας στη Ρώμη, και υλοποιείται με την υποστήριξη της MondoMostre και τη χορηγία του Sella Group.

Οι Αψβούργοι ως συλλέκτες και προστάτες των τεχνών

Η έκθεση, σε επιμέλεια της ιστορικού τέχνης Cäcilia Bischoff, συγκεντρώνει έργα που συλλέχθηκαν ή παραγγέλθηκαν από εξέχουσες μορφές της δυναστείας μεταξύ 16ου και 19ου αιώνα: τον αυτοκράτορα Ροδόλφο Β΄, την αρχιδούκισσα Ισαβέλλα Κλάρα Ευγενία, τον αρχιδούκα Λεοπόλδο Γουλιέλμο και τη Μαρία Θηρεσία. Μέσα από τα έργα αυτά αναδύεται το πορτρέτο μιας πολυεθνικής, πολυπολιτισμικής και πολυθρησκευτικής αυτοκρατορίας, όπου η τέχνη λειτουργεί ως εργαλείο εξουσίας, γνώσης και διαλόγου μεταξύ διαφορετικών κόσμων.

Από την αρχιτεκτονική του μουσείου έως το Palazzo Cipolla

Η έκθεση ανοίγει με ενότητα αφιερωμένη στην αρχιτεκτονική του Kunsthistorisches Museum, του επιβλητικού κτιρίου που σχεδίασαν οι Gottfried Semper και Carl Hasenauer και εγκαινιάστηκε το 1891 στο πλαίσιο του μεγάλου πολεοδομικού σχεδίου του Φραγκίσκου Ιωσήφ Α΄.

Η αφήγηση συνδέει το βιεννέζικο μουσείο με το Palazzo Cipolla μέσω της προσωπικότητας του αρχιτέκτονα Αντόνιο Τσιπόλλα, ο οποίος συμμεριζόταν την ίδια ιστορικιστική αντίληψη για την αρχιτεκτονική ως δημόσιο χώρο φορέα πολιτιστικών αξιών. Στην ενότητα παρουσιάζονται επίσης αρχειακά τεκμήρια από το Ιστορικό Αρχείο του Ιδρύματος, που φυλάσσονται στο Palazzo Sciarra Colonna.

Ο πυρήνας της έκθεσης: Η ευρωπαϊκή ζωγραφική του 16ου και 17ου αιώνα

Η καρδιά της έκθεσης είναι αφιερωμένη στη ζωγραφική της Ευρώπης κατά τον 16ο και 17ο αιώνα, μέσα από τα κυριότερα είδη και καλλιτεχνικές εκφράσεις της εποχής.

Η μεγάλη φλαμανδική παράδοση του 17ου αιώνα εκπροσωπείται από τους Ρούμπενς, βαν Ντάικ και Γιαν Μπρέγκελ τον Πρεσβύτερο. Η Αμβέρσα αναδεικνύεται ως διεθνές καλλιτεχνικό κέντρο, όπου η αναγεννησιακή κληρονομιά, η ιταλική επιρροή και η παρατήρηση της φύσης συνδυάζονται σε δυναμικές, έντονα χρωματικές συνθέσεις.

Οι Kunstkammer και η τέχνη της λεπτομέρειας

Ιδιαίτερη θέση κατέχουν τα έργα μικρών διαστάσεων και τα αντικείμενα των περίφημων Kunstkammer, των «θαλάμων των θαυμάτων» της Αναγέννησης. Έργα των Gerard ter Borch, Gerard Dou και Jacob van Ruisdael συνομιλούν με πολύτιμα αντικείμενα που αποτυπώνουν μια αισθητική ακρίβειας, οικειότητας και επιστημονικής περιέργειας.

Η ολλανδική ζωγραφική του 17ου αιώνα

Η ενότητα για τη νεοσύστατη προτεσταντική και αστική κοινωνία της Ολλανδίας παρουσιάζει έργα των Frans Hals, Jan Steen και Johannes Lingelbach. Ο Hals ανανεώνει το πορτρέτο με ζωντανή πινελιά, ενώ ο Steen μετατρέπει τις σκηνές καθημερινότητας σε θεατρικές αφηγήσεις κοινωνικής συμπεριφοράς. Ο Lingelbach, επηρεασμένος από τους Μπαμποτσιάντι, μεταφέρει τις λαϊκές σκηνές στη Ρώμη του Μπαρόκ.

Η γερμανική ζωγραφική και η κληρονομιά του Cranach

Η γερμανική ενότητα αναδεικνύει τη συμβολή του Lucas Cranach στη διαμόρφωση ενός αυτόνομου καλλιτεχνικού ιδιώματος. Σε μεταγενέστερες περιόδους, οι Joachim von Sandrart και Jan Liss ενσωματώνουν την ιταλική μπαρόκ και κλασική παράδοση, αποτυπώνοντας τον συνεχή διάλογο Βορρά–Νότου.

Πορτρέτα, δυναστική εικόνα και η πολιτική της συλλογής

Έργα των Giuseppe Arcimboldo, David Teniers the Younger, Guillaume Scrots και Diego Velázquez φωτίζουν την πολιτική εικόνας των Αψβούργων. Ξεχωρίζει το εμβληματικό πορτρέτο της Infanta Margarita με γαλάζιο φόρεμα του Βελάσκεθ, υπόδειγμα ψυχολογικής διείσδυσης και αυλικής εκπροσώπησης.

Η ιταλική ζωγραφική ως κεντρικός άξονας της συλλογής

Η ιταλική τέχνη αποτελεί τον αισθητικό πυρήνα της συλλογής, χάρη κυρίως στις επιλογές του αρχιδούκα Λεοπόλδου Γουλιέλμου. Στην έκθεση παρουσιάζονται έργα των Τιτσιάνο, Τιντορέτο, Βερονέζε, Οράτσιο Τζεντιλέσκι, Γκουίντο Κανιάτσι και Τζοβάνι Μπατίστα Μορόνι.

Κορυφαία στιγμή της έκθεσης αποτελεί η «Στέψη με Ακάνθινο Στέφανο» του Καραβάτζιο (1603–1605), ένα από τα σημαντικότερα έργα του. Η δραματική ένταση, η αφοσίωση στη ρεαλιστική απόδοση και η βαθιά ανθρώπινη διάσταση του θέματος καθιστούν το έργο σημείο αναφοράς της ευρωπαϊκής ζωγραφικής.

Η έκθεση «Αιωνιότητα και Όραση» αναδεικνύει τον νεοκλασικισμό

Η διατήρηση του ενδιαφέροντος των επισκεπτών σε μια μεγάλη ιστορική και καλλιτεχνική έκθεση δεν είναι ποτέ εύκολη υπόθεση, ιδιαίτερα όταν αφορά ένα τόσο μελετημένο κεφάλαιο όπως ο νεοκλασικισμός. Η νέα έκθεση «Αιωνιότητα και Όραση. Ρώμη και Μιλάνο Πρωτεύουσες του Νεοκλασικισμού» στις Gallerie d’Italia στο Μιλάνο επιχειρεί να ανανεώσει το βλέμμα του κοινού μέσα από εντυπωσιακά έργα και νέες ερμηνευτικές προσεγγίσεις.

Μια έκθεση που επιχειρεί να ανανεώσει το ενδιαφέρον για τον νεοκλασικισμό

Η έκθεση εξετάζει την καλλιτεχνική παραγωγή της Ρώμης και του Μιλάνου κατά την περίοδο 1796–1814, από την κάθοδο του Ναπολέοντα στην Ιταλία έως το τέλος της Αυτοκρατορίας. Οι επιμελητές Φραντσέσκο Λεόνε, Έλενα Λισσόνι και Φερνάντο Ματζόκα επιδιώκουν να αναδείξουν την εξαιρετική δημιουργική άνθηση του νεοκλασικισμού, συγκρίνοντας δύο πόλεις που διεκδίκησαν πρωταγωνιστικό ρόλο στη διαμόρφωση της ευρωπαϊκής τέχνης. Η Ρώμη, αιώνια πρωτεύουσα των τεχνών, και το Μιλάνο, διοικητικό κέντρο της Ναπολεόντειας Ιταλίας, εξετάζονται ως δίπολο που συνδύασε την κλασική κληρονομιά με τη νεωτερικότητα.

Η κορύφωση της έκθεσης: Το Κολοσσιαίο Άλογο του Αντόνιο Κανόβα

Η έκθεση ανοίγει με το εντυπωσιακό Κολοσσιαίο Άλογο του Αντόνιο Κανόβα, το οποίο παρουσιάζεται για πρώτη φορά στο κοινό μετά από περισσότερο από μισό αιώνα. Το έργο, ύψους άνω των τεσσάρων μέτρων, αποκαταστάθηκε και συναρμολογήθηκε εκ νέου χάρη σε μια σύνθετη επέμβαση που υλοποιήθηκε από τον Δήμο και τα Δημοτικά Μουσεία του Μπασάνο ντελ Γκράππα, με την εποπτεία των αρμόδιων αρχαιολογικών υπηρεσιών και τη στήριξη του προγράμματος Restituzioni της Intesa Sanpaolo.

Η ιστορία του έργου είναι συναρπαστική. Μετά τη νίκη του Ναπολέοντα στη μάχη του Μαρένγκο το 1800, σχεδιάστηκε στο Μιλάνο το μεγαλεπήβολο Foro Bonaparte, όπου θα τοποθετούνταν ένα μνημειακό άγαλμα του αυτοκράτορα. Ο Κανόβα κλήθηκε να δημιουργήσει το έργο, όμως το σχέδιο δεν ολοκληρώθηκε ποτέ. Αργότερα, η Νάπολη ανέλαβε την πρωτοβουλία για ένα νέο έφιππο μνημείο, αλλά και αυτό έμεινε ανολοκλήρωτο. Το μοντέλο του αλόγου, που ολοκλήρωσε ο Κανόβα λίγο πριν τον θάνατό του, παρέμεινε για δεκαετίες αποθηκευμένο και μάλιστα είχε κοπεί σε κομμάτια τη δεκαετία του 1960. Σήμερα, πλήρως αποκατεστημένο, αποτελεί το κεντρικό έκθεμα της παρουσίασης στο Μιλάνο.

Δίπλα του εκτίθεται η περίφημη κεφαλή αλόγου Carafa του Ντονατέλο, που προοριζόταν για το έφιππο μνημείο του βασιλιά Αλφόνσου της Αραγονίας στη Νάπολη, έργο που επίσης δεν ολοκληρώθηκε. Η παρουσία της υπογραμμίζει τη διαχρονική επιρροή του Μάρκου Αυρηλίου, του οποίου το μνημείο παρουσιάζεται στην ίδια ενότητα μέσα από χαρακτικά και σπάνια μαρμάρινα αντίγραφα του 18ου αιώνα.

Ρώμη και Μιλάνο: Δύο πρωτεύουσες του νεοκλασικισμού

Η έκθεση εξετάζει πώς οι δύο πόλεις διαμόρφωσαν την αισθητική του νεοκλασικισμού. Η Ρώμη, κέντρο της αρχαιότητας και τόπος έμπνευσης για καλλιτέχνες από όλη την Ευρώπη, αποτέλεσε το φυσικό εργαστήριο της νέας κλασικής γλώσσας. Το Μιλάνο, από την άλλη, εξελίχθηκε σε διοικητική και καλλιτεχνική πρωτεύουσα της Ναπολεόντειας Ιταλίας, με έντονη διασύνδεση μεταξύ ζωγραφικής, γλυπτικής και αρχιτεκτονικής.

Στο επίκεντρο βρίσκονται δύο κορυφαίες μορφές: ο Αντόνιο Κανόβα και ο Τζουζέπε Μπόσι, ζωγράφος, λόγιος και ιδρυτής της Πινακοθήκης Μπρέρα. Παρουσιάζονται επίσης έργα του Αντρέα Αππιάνι, σημαντικού εκπροσώπου της ναπολεόντειας ζωγραφικής.

Μια έκθεση που συνδυάζει επιστημονική έρευνα και εντυπωσιακή παρουσίαση

Η έκθεση «Αιωνιότητα και Όραση» επιχειρεί να αναδείξει όχι μόνο την αισθητική του νεοκλασικισμού αλλά και τις πολιτικές, κοινωνικές και ιδεολογικές συνθήκες που τον διαμόρφωσαν. Η παρουσίαση συνδυάζει τεκμηρίωση, σπάνια έργα και εντυπωσιακές αποκαταστάσεις, προσφέροντας μια ολοκληρωμένη εικόνα μιας περιόδου που καθόρισε την ευρωπαϊκή τέχνη.

Αποτελεί μια από τις σημαντικότερες εκθέσεις της χρονιάς στο Μιλάνο και μια σπάνια ευκαιρία να δει κανείς από κοντά έργα που για δεκαετίες παρέμεναν αθέατα.