To V&A Λονδίνου γιορτάζει 170 χρόνια της Burberry με έκθεση αφιερωμένη στο εμβληματικό trench coat

 

Στο Λονδίνο, εκεί που η βρετανική αισθητική συναντά την ιστορική τεχνογνωσία της μόδας, το V&A ετοιμάζει μια έκθεση αφιερωμένη σε ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα ενδύματα του 20ού αιώνα. Το trench coat της Burberry, σύμβολο κομψότητας και λειτουργικότητας, επιστρέφει στο επίκεντρο μέσα από μια παρουσίαση που φωτίζει την ιστορία, την τεχνική και τη συνεχή του ανανέωση.

Μια νέα δωρεάν έκθεση στο V&A

Στις 21 Σεπτεμβρίου 2026 ανοίγει στο Victoria and Albert Museum η έκθεση The Burberry Trench: Crafting an Icon, μια δωρεάν παρουσίαση που συμπίπτει με τα 170 χρόνια της Burberry.

Το κλασικό μπεζ trench coat θα παρουσιαστεί μέσα από σπάνια υλικά από το αρχείο της Burberry και τη συλλογή του V&A.

Από στρατιωτικό ένδυμα σε παγκόσμιο fashion icon

Οι επισκέπτες θα μπορούν να παρακολουθήσουν την εξέλιξη του trench coat από τις πρακτικές του ρίζες ως στρατιωτικό και εξωτερικό ένδυμα έως τη σημερινή του θέση ως παγκόσμιο σύμβολο μόδας, αγαπημένο από προσωπικότητες όπως η Kate Moss, η Kendall Jenner, η Madonna και ο Jonathan Bailey.

Η ενότητα “Invention”: Η γέννηση της gabardine

Η έκθεση ξεκινά με την ενότητα Invention, παρουσιάζοντας την εφεύρεση της βαμβακερής gabardine από τον Thomas Burberry το 1879. Το νέο αυτό ύφασμα καθιέρωσε το trench ως κορυφαίο προστατευτικό ένδυμα, πριν εξελιχθεί σε σχεδιαστικό κλασικό.

Η τέχνη της κατασκευής: λεπτομέρειες που ορίζουν ένα σύμβολο

Η ενότητα Craft εξετάζει τις λεπτομέρειες που καθιστούν το trench coat μοναδικό:

χειροποίητος γιακάς

χαρακτηριστική επένδυση House Check

storm flap

αποσπώμενο throat latch

Όλα στοιχεία που προσφέρουν προστασία σε μεταβαλλόμενες καιρικές συνθήκες.

Creativity: 25 χρόνια δημιουργικής ανανέωσης

Η έκθεση ολοκληρώνεται με την ενότητα Creativity, όπου παρουσιάζονται 19 runway looks των τελευταίων 25 ετών, με δημιουργίες των Daniel Lee και Christopher Bailey. Η ενότητα αναδεικνύει πώς το trench coat συνεχίζει να επανεφευρίσκεται χωρίς να χάνει την ταυτότητά του.

Η συνεργασία V&A – Burberry και η ανακαίνιση της Fashion Gallery

Η έκθεση αποτελεί μέρος της πολυετούς συνεργασίας μεταξύ V&A και Burberry, με επίκεντρο την ανακαίνιση της Fashion Gallery — μιας από τις μεγαλύτερες μόνιμες γκαλερί μόδας του μουσείου.

Η γκαλερί, που έκλεισε τον Μάιο του 2025, επρόκειτο να ανοίξει ξανά το 2027, αλλά η επαναλειτουργία μετατέθηκε για το φθινόπωρο του 2028.

Με την ολοκλήρωση της ανακαίνισης, ο χώρος θα μετονομαστεί σε Burberry Gallery.

https://www.maxwellmuseums.com/

Elsa Schiaparelli: Η μπαρόκ φαντασία μιας επαναστάτριας της μόδας στο νέο V&A exhibition

Η νέα έκθεση του Victoria & Albert Museum στο Λονδίνο επιχειρεί να αποδείξει ότι η Elsa Schiaparelli δεν υπήρξε απλώς μια κορυφαία σχεδιάστρια υψηλής ραπτικής, αλλά μια αυθεντική καλλιτέχνις που διέλυσε τα όρια ανάμεσα στη μόδα και την avant‑garde τέχνη. Παρότι η επιμέλεια της έκθεσης παραμένει συγκρατημένη, το υλικό που παρουσιάζεται φωτίζει την εκρηκτική δημιουργικότητα μιας γυναίκας που μετέτρεψε το ένδυμα σε σουρεαλιστικό σύμπαν.

Η λογοτεχνική αύρα και η καλλιτεχνική ταυτότητα της Schiaparelli

Τα ρούχα της Schiaparelli διαθέτουν μια σχεδόν μυθιστορηματική αύρα. Στο μυθιστόρημα The Girls of Slender Means της Muriel Spark, ένα φόρεμα της σχεδιάστριας γίνεται αντικείμενο πόθου, κοινωνικού status και τελικά ηθικού διλήμματος. Η έκθεση Schiaparelli: Fashion Becomes Art (έως 8 Νοεμβρίου 2026) συγκεντρώνει 110 ενδύματα και 50 έργα τέχνης, αποδεικνύοντας ότι η Schiaparelli υπήρξε βαθιά συνδεδεμένη με το καλλιτεχνικό avant‑garde της εποχής της.

Μέσα από τη Gabrielle Buffet‑Picabia γνώρισε τον Man Ray και τον Duchamp, ενώ συνεργάστηκε με Dalí, Giacometti και Cocteau. Η Coco Chanel, που τη θεωρούσε επικίνδυνη ανταγωνίστρια, την αποκαλούσε ειρωνικά «η Ιταλίδα καλλιτέχνις που φτιάχνει ρούχα». Το 1934 έγινε εξώφυλλο του Time, επιβεβαιώνοντας την επιρροή της.

Από τη Ρώμη στο Παρίσι: Η γέννηση μιας επαναστάτριας

Γεννημένη σε αριστοκρατική οικογένεια της Ρώμης, η Schiaparelli αψήφησε κάθε κοινωνική νόρμα. Μετά από έναν θυελλώδη γάμο και μια μετακόμιση στη Νέα Υόρκη, εγκαταστάθηκε στο Παρίσι το 1924, που ο Paul Poiret ενθάρρυνε τη δημιουργικότητά της. Ξεκίνησε με μοντερνιστικά sportswear και trompe‑l’oeil πλεκτά, όμως σύντομα η μόδα της μεταμορφώθηκε σε σουρεαλιστικό θέατρο: μια γλώσσα γεμάτη παράδοξα, όνειρα, ερωτισμό και ανατροπή.

Το Παρίσι της δεκαετίας του ’30 ήταν ένας σουρεαλιστικός στρόβιλος. Dalí, Magritte, Ernst, Oppenheim, Man Ray και Tanning συνέθεταν ένα περιβάλλον που η Τέχνη αναζητούσε το ασυνείδητο, το αυτόματο, το προκλητικό. Η Schiaparelli βυθίστηκε σε αυτό το σύμπαν και το μετέφερε στα υφάσματα.

Τα εμβληματικά σουρεαλιστικά έργα της

Η έκθεση παρουσιάζει τις πιο τολμηρές δημιουργίες της: το Skeleton Dress, με ανάγλυφη σπονδυλική στήλη και πλευρά, το Lobster Dress ζωγραφισμένο από τον Dalí, το Medusa Veil, ένα νυφικό πέπλο που υπονομεύει τον ρομαντισμό της τελετής. Τα αξεσουάρ της είναι εξίσου ανατρεπτικά: γάντια με ζωγραφισμένα νύχια, καπέλα‑σύμβολα, αντικείμενα που μετατρέπουν το σώμα σε σουρεαλιστικό πεδίο.

Η μπαρόκ πολυτέλεια και η μοντέρνα τόλμη

Η Schiaparelli συνδύαζε την παρισινή πολυτέλεια με την τεχνολογική τόλμη. Έφτιαξε υφάσματα από γυαλί, φόρεσε culottes το 1931 προκαλώντας σκάνδαλο, και ενσάρκωσε τη jolie laide αισθητική της δεκαετίας του ’30. Η φωτογραφία των Beaton, Horst και Man Ray αποτυπώνει αυτή τη διπλή φύση: ονειρική φαντασία και μοντέρνα αρχιτεκτονική.

Η αδυναμία της έκθεσης: η απουσία του shocking pink

Παρά τον πλούτο του υλικού, η έκθεση υστερεί στη σκηνογραφία. Απουσιάζει σχεδόν ολοκληρωτικά το shocking pink, το χρώμα‑σύμβολο της Schiaparelli, το οποίο η ίδια περιέγραφε ως «bright, impossible, impudent, life‑giving». Η επιλογή ενός γκρι, μινιμαλιστικού περιβάλλοντος αποδυναμώνει τη σουρεαλιστική της ενέργεια. Επιπλέον, οι σύγχρονες δημιουργίες του Daniel Roseberry εμφανίζονται διάσπαρτες, συχνά αποσπώντας την προσοχή από το ιστορικό έργο.

Το διαχρονικό αποτύπωμα της Schiaparelli

Παρά τις αδυναμίες της επιμέλειας, η έκθεση αναδεικνύει την ουσία της Schiaparelli: μια δημιουργό που μετέτρεψε τη μόδα σε μπαρόκ φαντασία, σε ένα σύμπαν όπου οι γυναίκες εμφανίζονται ως οπτασίες. Το έργο της παραμένει μοντέρνο, ανατρεπτικό και βαθιά ποιητικό.

 πηγη https://engelsbergideas.com/

Όταν η μόδα γίνεται τέχνη: Η μεγάλη έκθεση «Schiaparelli: Fashion Becomes Art» στο Victoria & Albert Museum

Η μόδα και η τέχνη συναντιούνται ξανά σε μια εποχή που ζητά έκφραση, τόλμη και φαντασία. Η Elsa Schiaparelli, η σχεδιάστρια που έσβησε τα όρια ανάμεσα στο ένδυμα και το έργο τέχνης, επιστρέφει στο προσκήνιο μέσα από τη μεγαλύτερη έκθεση που έχει παρουσιαστεί ποτέ στο Λονδίνο για τον εμβληματικό οίκο της. Το Victoria & Albert Museum ανοίγει τις πόρτες του σε έναν κόσμο όπου το ύφασμα γίνεται γλυπτό, το χρώμα αφήγηση και η μόδα καθαρή δημιουργική πράξη.

Η έκθεση που αποδεικνύει ότι η μόδα είναι τέχνη

Η έκθεση «Schiaparelli: Fashion Becomes Art» παρουσιάζει περισσότερα από 400 εκθέματα —ρούχα υψηλής ραπτικής, έργα τέχνης, φωτογραφίες, αρχειακό υλικό— καλύπτοντας την πορεία του οίκου από τη δεκαετία του 1920 έως σήμερα.

Η Schiaparelli υπήρξε πρωτοπόρος: συνεργάστηκε με τον Salvador Dalí, τον Pablo Picasso και τον Man Ray, δημιουργώντας φορέσιμα έργα τέχνης που άλλαξαν για πάντα τον τρόπο που αντιλαμβανόμαστε το ένδυμα.Στην έκθεση παρουσιάζονται εμβληματικά κομμάτια όπως:το Skeleton Dress,το Lobster Dress,τα σουρεαλιστικά αξεσουάρ που σημάδεψαν την avant‑garde αισθητική της εποχής.

Τρία μέρη, μία δημιουργική κληρονομιά

Η έκθεση χωρίζεται σε τρεις ενότητες: 

Τα πρώτα χρόνια στο Παρίσι (1927–1930s)

Η Schiaparelli επαναπροσδιόρισε το γυναικείο ντύσιμο, εισάγοντας πρακτικά αλλά και θεατρικά κομμάτια, κοστούμια με παντελόνι και βραδινά φορέματα με αντισυμβατικά υλικά.

 Η μόδα συνομιλεί με την τέχνη

Ρούχα, πίνακες και αντικείμενα παρουσιάζονται μαζί, αναδεικνύοντας τις συνεργασίες της με κορυφαίους καλλιτέχνες και τη σουρεαλιστική της ματιά.

Η σύγχρονη εποχή του Daniel Roseberry

Ο καλλιτεχνικός διευθυντής του οίκου συνεχίζει την κληρονομιά της Schiaparelli με δημιουργίες που έχουν φορεθεί από τις μεγαλύτερες σταρ του Hollywood, διατηρώντας το πνεύμα της τόλμης και της υπερβολής.

Διάρκεια & Πληροφορίες Επίσκεψης

Η έκθεση «Schiaparelli: Fashion Becomes Art» παρουσιάζεται στο Victoria & Albert Museum (V&A), Λονδίνο.

Διάρκεια: Απρίλιος 2026 – Ιανουάριος 2027

(Η έκθεση είναι μεγάλης διάρκειας, όπως όλες οι μεγάλες θεματικές του V&A.)

Ώρες λειτουργίας:  

Καθημερινά 10:00–17:45

Παρασκευές 10:00–22:00

Εισιτήρια: Απαιτείται προκράτηση μέσω της επίσημης ιστοσελίδας του V&A.

Πρόσβαση: Σταθμός South Kensington (Tube)

Cartier στο V&A Λονδίνου: Η Έκθεση που Αναδεικνύει την Πολυτέλεια και την Ιστορία του Οίκου"

 Μια επίσκεψη στην έκθεση Cartier στο V&A Museum Λονδίνου δεν είναι απλώς μια αισθητική εμπειρία—είναι ένα ταξίδι μέσα από τη λάμψη της ιστορίας, την τέχνη της κοσμηματοποιίας και την παγκόσμια πολιτιστική κληρονομιά. Ο επισκέπτης έρχεται πρόσωπο με πρόσωπο με δημιουργίες που κάποτε στόλισαν βασιλείς, αστέρες και θρύλους, βλέπει από κοντά αντικείμενα που φέρουν τον παλμό εποχών και το αποτύπωμα προσωπικοτήτων. 

Σε έναν χώρο όπου ο σχεδιασμός συναντά το μεγαλείο, η έκθεση γίνεται ένας καθρέφτης του στυλ, της ταυτότητας και της διαχρονικότητας—μια εμπειρία που δεν απευθύνεται μόνο στους λάτρεις της πολυτέλειας, αλλά σε όσους αναζητούν τη γοητεία του ωραίου μέσα από το φίλτρο της Ιστορίας.

Στον αριστοκρατικό παλμό του Λονδίνου, εκεί που η τέχνη της λεπτομέρειας συναντά τη διαχρονική γοητεία, ο οίκος Cartier υψώνει ξανά τη φωνή του. Όχι με ρυθμούς μόδας εφήμερης, αλλά με την ήρεμη βεβαιότητα της αιωνιότητας. Στο Victoria and Albert Museum, οι βιτρίνες δεν απλώς φωτίζονται — λάμπουν με ιστορίες, δέσιμα ψυχών και ηχηρές παρουσίες γαλαζοαίματων και σταρ που φόρεσαν τις δημιουργίες του. Είναι μια έκθεση για το βλέμμα, για την αφή, για τη μνήμη της τέχνης του κοσμήματος.

 Η Έκθεση Cartier στο Victoria and Albert Museum

Έως 16 Νοεμβρίου 2025, το V&A Museum του Λονδίνου παρουσιάζει τη μεγαλύτερη βρετανική έκθεση αφιερωμένη στον Cartier εδώ και τρεις δεκαετίες. Περισσότερα από 350 έργα — κοσμήματα, ρολόγια, σχέδια και προσωπικά αντικείμενα — χαρτογραφούν την πορεία του οίκου από το Παρίσι του 19ου αιώνα έως τον παγκόσμιο θρόνο της υψηλής κοσμηματοποιίας.

 Εμβληματικά Εκθέματα και Αντικείμενα Ιστορίας

Στην καρδιά της έκθεσης θαυμάζουμε:

- Το Manchester Tiara (1903) και το Scroll Tiara της Countess of Essex (1902), που αφηγούνται βασιλικές προτιμήσεις.

- Το θρυλικό Patiala Necklace, με 2.930 διαμάντια, φτιαγμένο για τον Μαχαραγιά της Πατιάλας.

- Το πρωτοποριακό Crash wristwatch (1967), που τόλμησε να επαναπροσδιορίσει τη φόρμα.

- Το Tutti Frutti Bandeau, ένα εκρηκτικό πάντρεμα σμαραγδιών, ρουμπινιών και ζαφειριών — αναγέννηση του χρώματος.

 Σύλληψη, Στυλ και Δημιουργική Ταυτότητα

Η έκθεση διαρθρώνεται σε τρεις βασικές ενότητες:

 Η Καλλιτεχνική Κληρονομιά του Cartier εξερευνά τη μετάβαση από το Art Nouveau και το Art Deco στο σύγχρονο design. Παρουσιάζεται η αισθητική φιλοσοφία του οίκου μέσα από τα σχέδια και τις συλλογές.

Η Τεχνική Ακρίβεια και η Καινοτομία: Οι επισκέπτες περιηγούνται στα backstage της δημιουργίας: πρώτα σχέδια, δοκιμαστικά καλούπια, μηχανισμοί ωρολογοποιίας και χειροποίητες λεπτομέρειες.

Η Κοινωνική Αντανάκλαση και Η Προσωπικότητα των Φορετών: Με πορτρέτα και βίντεο, παρουσιάζεται πώς το Cartier υπήρξε σύμβολο status και προσωπικής έκφρασης για γυναίκες όπως η Elizabeth Taylor, η Grace Kelly και η Kate Middleton.

 Πρακτικές Πληροφορίες

Victoria & Albert Museum, Cromwell Road, London SW7 2RL

Έως 16 Νοεμβρίου 2025.  Ώρες λειτουργίας: 10:00–17:45 (καθημερινά), Παρασκευή έως τις 22:00

-Εισιτήρια: £27 καθημερινές / £29 σαββατοκύριακο

-Πρόσβαση: Δωρεάν για μέλη V&A και παιδιά κάτω των 11 ετών